THE REMOTE VIEWERS – Control Room
(Autoproduction / ReR Megacorp)

Un hiatus de cinq ans dans le trajet d'un groupe peut traduire au mieux l'achèvement d'une ère, au pire l'épuisement de son inspiration. Rien de tel n'est manifestement à déplorer en ce qui concerne le groupe anglais THE REMOTE VIEWERS puisqu'il compense cette période d'absence discographique avec un véritable pavé pour les oreilles ! Control Room se déploie en effet sur cinq CD présentés dans un carnet de pochettes plastiques. A la souplesse du contenant répond donc une densité de contenu que l'on est prié de ne pas avaler d'une traite, à moins d'être un indécrottable inconditionnel du groupe.

Nous n'avons pas affaire à une anthologie ni à une somme d'archives, mais bel et bien à un nouvel opus tentaculaire qui redéploie en un axe pluriel les projections escarpées de nos « voyants à distance » déjà bien insaisissables en dépit d'une marque de fabrique bien à eux. L'entité REMOTE VIEWERS subit dans ce cofret un véritable processus de fractalisation et de recomposition. Quant on sait que la formation est à la base déjà minimale, puisqu'il s'agit d'un trio (Dave et Louise PETTS, Adrian NORTHOVER), on peut trouver l'idée aussi séduisante que périlleuse. Elle n'aboutit pas pour autant à exposer une succession de performances solistes (excepté sur le CD 5). Chaque « tableau de bord » de cette « salle de contrôle » multiplexe est manipulé par une équipe différente. Certains équipes intègrent par conséquent un personnel additionnel venu enrichir le noyau sonore originel, à base de saxophones et d'électronique. Les souffleuses Caroline KRAABEL et Sue LYNCH, déjà croisées sur de précédents opus, sont ainsi revenues prêter main forte.

THE REMOTE VIEWERS retrouvent de même leurs anciens collègues du groupe B'SHOPS FOR THE POOR, le guitariste Jon DOBIE et le contrebassiste John EDWARDS, sur le CD 1. Celui-ci ne contient qu'une fresque instrumentale de 38 minutes mi-composée, mi-improvisée, October Rush, qui commence comme elle termine, ou le contraire, dans des ambiances comateuses de claviers-sax-flûtes. Entre les deux extrémités se succèdent des séquences plus heurtées ou incisives avec interventions de saxophones, de guitare et de contrebasse, tandis que les textures électroniques sont façonnées par deux autres invités, Glenn GUPTA et Dave TUCKER, qui ponctuent plusieurs passages de programmations rythmiques. Entre improvisations solistes et électronica appuyée, cette entrée en matière se révèle aussi curieuse que désarçonnante.

Les sonorités électro de Darren TATE, Kato HIDEKI et Glenn GUPTA se partagent la palette timbrale du CD 2, The Art of Empire, avec les saxophones alto, soprano et ténor. Grondements lugubres, sonars agités, complaintes lancinantes cuivrées et manipulations bruitistes dessinent les contours exsangues d'une antichambre mortifère. C'est un bien curieux endroit pour reprendre une Prière d'Erik SATIE, laquelle prend plutôt l'allure d'une vision d'angoisse vu le contexte, et compte tenu de l'art consommé de la transfiguration dont font preuve THE REMOTE VIEWERS dans leurs choix de reprises.

Certaines pièces doublonnent sur le CD suivant. En fait, le CD 2 était constitué de remixes du répertoire prévu initialement pour le CD 3, An Affair of Cyphers. Dans celui-ci, les saxophones dominent les débats, qui prennent une couleur acoustique tendance musique de chambre. A la noirceur ambient du précédent CD se substitue une écriture aussi aride que fouillée que l'on doit à Dave PETTS, principal compositeur des morceaux des quatre premiers CD de ce coffret.

Jusqu'à présent introuvable, la voix de Louise PETTS se fait enfin entendre sur le CD 4, Fiction Department, sur lequel officie uniquement le trio de base des REMOTE VIEWERS. On retrouve ici le son du groupe tel qu'on l'avait quitté avec Sudden Rooms in Different Buildings, le précédent album, dont Fiction Department est le successeur attitré. C'est d'emblée le CD le plus accessible de Control Room, la présence vocale ayant tendance à humaniser l'atmosphère générale, mais dans les limites fixées par le timbre et le phrasé de Louise PETTS, qui évolue entre solennité réfrigérante et langueur évanescente parmi des paysages soniques volontiers traversés de nappes polaires, de stridences étouffantes, de parasites acrimonieux et autres aliénités abrasives (Green Closing, Those in Darkness et The Slow Sea en sont de probants exemples). Si l'on peut qualifier les compositions de ce CD 4 de chansons, c'est en gardant évidemment à l'esprit que leurs structures s'éloignent des formes convenues du genre. Seul The Delicate Address peut correspondre à l'idée que tout humanoïde normalement constitué peut se faire d'une chanson, qui plus est colorée jazz.

Enfin, Adrian NORTHOVER occupe l'espace du CD 5 de son seul saxophone soprano. Les familiers de la grammaire sonore d'un Lol COXHILL ou d'un Evan PARKER ne seront pas dépaysés par les Situations narrées ici et savoureront la créativité panoramique du souffleur, dont le vocabulaire intègre de nombreuses techniques (souffle continu, delay, overdubbing...), mais il est clair que c'est le CD qui s'éloigne le plus, et pour cause, de la musique du groupe.

Ce n'est évidemment pas avec ce coffret que l'on suggérera de commencer à découvrir l'univers résolument énigmatique et inclassable des REMOTE VIEWERS (les deux précédents CD, chroniqués dans TRAVERSES n° 15, constituent des portes d'accès plus recommandables), mais les auditeurs aguerris trouveront dans cette Control Room (dont l'édition est limitée à 200 exemplaires) des excursions sonores dont ils ne risquent pas de revenir indemnes.

Site : www.theremoteviewers.com

Stéphane Fougère

Pierre BELOIN & Various artists Awan~Siguawini~~Spemki
(Optical Sound)

Awan – Siguawini – Spemki est un projet multimédia à l’origine duquel se trouve Pierre BELOUIN, monsieur OPTICAL SOUND, projet alliant poésie, textes, visuels sonores dans une démarche artistique originellement prévue pour une exposition, une installation où des plasticiens sonores sont intervenus pour créer une ambiance proposée pour chaque photographie.

Véritable compilation où le fil rouge est orchestré par la voix de BLACK SIFICHI qui s’immisce au cœur des compositions des divers intervenants pendant une à deux minutes en fin de la majorité des titres présents qu’ont fourni : SERVOVALVE, Rainier LERICOLAIS, Eddie LADOIRE, NORSCQ, Sébastien ROUX, Nicolas GERMAIN (el TiGeR CoMiCs GRoUP), COCOON (v. projet parallèle d’un des créateurs de CLAIR OBSCUR), ULTRA MILKMAIDS, Ramuntcho MATTA, BLACK SIFICHI lui-même, WILD SHORES avec en bonus un CD-rom guidé par SERVOVALVE.

A travers ce concept, on visionne de multiples paysages sonores où l’on voyage sans bouger à l’écoute de cette compilation qui se situe dans un esprit électro-ambiant. Très beau projet convaincant, enrichissant et aguichant nos ouïes demandeuses et l’ensemble de nos sens.

Vous pouvez vous procurer cette œuvre, notamment, auprès d’un nouveau disquaire en ligne (Ototoi).

Sites : www.optical-sound.com

www.ototoimusic.com

Olivier Degardin

DÉFICIT DES ANNÉES ANTÉRIEURES – Action and Japanese Demonstration
(Fractal Records)

Sans doute parce que l'herbe paraît toujours plus verte ailleurs, on aurait tendance à oublier que la scène indé-expé-indus a aussi eu ses pionniers en France. Si la Grande-Bretagne a eu (et a toujours) NURSE WITH WOUND, si l'Allemagne a eu CAN, l'hexagone n'a pas été en reste, avec notamment DÉFICIT DES ANNÉES ANTÉRIEURES, qui a démarré à la fin des années 1970 et continue encore aujourd'hui d'œuvrer sur un terrain underground toujours plus obscur, comme l'a prouvé leur « concert plasmatique » donné dans le cadre de L'Étrange Festival à la Maison des Métallos, à Paris, en avril 2008. Ca fait donc près de trente ans que ce trio de Basse-Normandie s'active à diffuser son utopisme artistique polymorphe (fièrement qualifié de « vielle musique nouvelle » !) à travers des peformances scéniques aussi rares qu'exceptionnelles, et par le biais de maints supports : K7, 45 tours, 25 cm, 33 tours, vidéos, CD, la plupart publiés sur leur propre label, Illusion Productions, sans oublier leurs contributions à maints compilations thématiques, comme ont fait d'autres groupes réfractaires aux sunlights (UN DÉPARTEMENT, LA S.T.P.O., PTÖSE...). Devenu une référence de la marge française, le groupe qualifie fièrement sa production discographique de « vieille musique nouvelle » !

Aux commandes depuis les origines, Jean-Philippe FEE, Sylvie MARTINEAU-FEE et Jean-Luc ANDRÉ sont moins des musiciens, au sens classique du terme, que des plasticiens. On notera au passage que les initiales du groupe, D.D.A.A., forment l'anagramme de « DADA ». La référence à ce mouvement de pensée qui mis à mal les ornières artistiques au début du XXe siècle n'est évidemment pas anodine, puisque D.D.A.A. cultive à l'instar de celui-ci le goût du collage et de l'assemblage (sonores), et l'improvisation est son domaine de prédilection. Mais il ne s'agit pas pour D.D.A.A. de simplement détruire ou narguer les convenances, mais plutôt de déconstruire les formats musicaux usuels pour concevoir d'autres traces créatives.

Ses opus discographiques sont ainsi conçus comme des capteurs d'images prises durant leurs pérégrinations dans moult espaces à travers le temps et les cultures. Ainsi, dans leurs premières années, après leurs Aventures en Afrique (1980) et avant leur visite dans la Russie tzariste (Les Ambulants), le groupe a exploré la « nébuleuse japonaise » avec Action et Démonstration japonaise (1982), qui fut en fait leur premier véritable LP. L'importance historique de ce dernier se double d'une fort belle réussite artistique qui n'a pas perdu de son pouvoir de fascination.

Cet album explore une douzaine de projections liées à la « réalité occidentale du Japon ». Chaque pièce a été finement et minutieusement pensée comme un tableau jouant avec des archétypes sonores que l'Occident se fait de la culture japonaise, mais déviés et fondus dans des images sonores faisant intervenir des sources acoustiques, synthétiques et électriques. Guitares (basse, fuzz, préparée ou électrique), percussions, flûtes, claviers, voix vernaculaires, bandes et bruitages dessinent des reliefs climatiques riches, distillant un vaste horizon de mystères poétiques. Tout comme l'art traditionnel japonais fourmille de ces estampes appelées « ukiyo-e », littéralement « images du monde flottant », D.D.A.A. livre ses images flottantes d'un monde japonisant à la naïveté envoûtante.

Cette salutaire réédition en format CD, remixée et remastérisée jusqu'au bout des ongles, reproduit le LP d'origine sous forme de pochette cartonnée pliée à la main et avec deux rabats. Outre les inserts originaux, le livret contient des textes et même des photos inédites du groupe sur scène en 1979. De plus, l'œuvre en elle-même a été augmentée de deux titres bonus tirés de la session d'enregistrement de l'album. Et comme si ça ne suffisait pas, on lui a adjoint une autre œuvre, Musique et Bruits du Bas Pa-Tat, formée de sept piécettes enregistrées pour une K7 qui accompagnait en 1985 la bande dessinée Mutants du Kwantung, conçue par l'un des membres de D.DA.A., Jean-Luc ANDRÉ. Si l'on quitte le Japon, ce n'est pas pour aller bien loin puisque l'on se retrouve dans la Chine d'avant J-C. Cette réédition, aussi somptueuse dans sa forme que par son contenu, prend ainsi des allures de compte-rendu d'une « nébuleuse extrême-orientale » qui compte parmi les plus belles inspirations du DÉFICIT DES ANNÉES ANTÉRIEURES.

Site : http://2pingouins.over-blog.com – www.myspace.com/deficitdesanneesanterieures

Label : www.fractal-records.com

Stéphane Fougère

CLUSTER – Berlin 07 (Important Records)

KLUSTER n'est plus, certes, mais CLUSTER lui est toujours là, 37 ans après sa venue au monde suite à la scission entre SCHNITZLER d'un côté et MOEBIUS-ROEDELIUS de l'autre.

Ce live est un superbe témoignage de la récente tournée qui a de nouveau réuni MOEBIUS et ROEDELIUS en 2007. Nous partons pour Berlin le 14 septembre 2007 au Ballhaus Naunynstrasse, pour un concert de 66 minutes comportant deux longues pièces : First Part d'une durée de 29'46 et Second Part de 36'45. Ce répertoire est inédit, soulignant le fait que sur scène, les musiciens improvisent énormément et restent attachés à une musique en quête d'exploration et en perpétuelle mutation.

Cette messe électronique menée de main de maître est teintée de world (dans First Part, vers la 3e minute), légèrement techno (le début de Second Part) et attractive jusqu'à la fin tel un chant de sirènes. Nous retrouvons un CLUSTER dans la forme la plus pure, avant-gardiste, où l'âme des premiers albums n'est pas si loin. La musique de Berlin 07 est une suite d'aventures sonores qui réserve de multiples surprises et se différencie des atmosphères trop ambiantes de One Hour (1994) et du Live USA First Encounter (1996) réservées à un public averti.

Grâce à CLUSTER, nous partons pour un voyage sibyllin dans le monde de l'électronique.

Site : www.importantrecords.com

Cédrick Pesqué

AHLEUCHATISTAS – Even in the Midst… (Cuneiform / Orkhêstra)

Dans TRAVERSES n° 20, nous vous le disions déjà : chez AHLEUCHATISTAS, c’est « millimétré ». CUNEIFORM, le label, parle à qui veut l’entendre, de « maths rock ». Ajoutez à cela, que ce groupe est un (power) trio on ne peut plus classique : basse-batterie-guitare (pas de chant, pas de pédales d’effets, nature donc) et vous avez, je crois, une idée assez précise de leur musique.

Pas de jazz là-dedans, malgré leur nom qui vient d’une chanson de Charlie PARKER (Ah-leu-cha), mais une conscience politique, revendiquée par la deuxième partie du nom du groupe qui fait référence au mouvement révolutionnaire de cette région pauvre du Mexique, le Chiapas (Los Zapatistas ; www.zapata.com/resume.htm).

Comment faire passer un message politique dans une musique instrumentale ? Par la non-conformité des compositions (dixit le bassiste du groupe), par les titres évocateurs (sur leur album précédent, le premier titre Remember Rumsfeld at Abu Grahib sonnait comme une claque à la société bien pensante américaine) et par les pochettes des disques, soignées, toujours explicites dans leur contenu (avions jetant des flammes et cadavres ensanglantés sur cet album, mains coupées sur les pics et kalachnikov sur le précédent, musulmane irakienne agonisante sur leur deuxième disque…).

Une fois ce décor planté, nous pouvons passer à la chronique de leur quatrième disque Even in the Midst…, le second sur Cuneiform (après What you will chroniqué dans le TRAVERSES déjà cité). Le groupe annonce la réédition cette année de leur second disque (The Same and the Other) sur Tzadik.

Even in the Midst… est dans la continuité de leur discographie. Le math-rock d’AHLEUCHATISTAS balaye ce disque, de ses phrases répétitives quasiment sans mélodie, à vitesse supersonique (mention spéciale au batteur). Sur What you will, on avait l’impression que le groupe jouait ensemble tout le temps la même partition : sur les trois vidéos qui accompagnent le CD, on voit le batteur au centre de la scène et de l’image. A croire que les compositions sont écrites pour la batterie et que les deux autres trouvent des notes pour jouer la partition de la batterie !

Pourtant, il y a une évolution dans Even in the Midst… qui a une propension à prévoir une ligne pour chaque instrument même si la cohésion d’ensemble n’est jamais prise à défaut.

La formation en trio a ceci de particulier qu’elle oblige à la concision, à l’essentiel. Nous sommes ici face à une musique de couleur rock mais très écrite, complexe et abstraite et c’est ce qui a dû plaire à Cuneiform.

Il doit y avoir par moment quelques improvisations (sur Post Colonial Nausea par exemple), mais, franchement, tout se tient d’une logique implacable !

Alors bon, ce côté maîtrisé, l’absence d’air musical sur lequel s’accrocher, l’absence de fioritures sonores, et la rapidité permanente du rythme peut faire peiner sur la durée du disque, surtout aux premières écoutes. Il y a pourtant quelques pauses qui permettent à l’auditeur de respirer et plusieurs écoutes permettent de goûter aux différentes nuances qui regorgent de cette musique.

Sur The Bears of Cantabria shall sleep no more, l’électricité est même abandonnée au profit de l’acoustique et de cordes frottées à l’archet. Prosthetic God est la lumière de ce disque avec ses ruptures de rythmes liées à des ruptures de tempo, le tout emballé dans une succession de notes en mode mineur qui me font penser à du RIO pur jus et, même, la reprise d’une phrase au cours du morceau, presque un refrain !

Un groupe à suivre, assurément. A voir sur scène… dès qu’on peut !

Site : www.ahleuchatistas.com

Label : www.cuneiform.com

Frédéric Vion

Le label américain Elision Fields préparait depuis plusieurs mois la publication de ce Last Camel in Paris, l'enregistrement du concert donné par Terry RILEY au Théâtre Edouard VII à Paris le 10 novembre 1978. Pour ce concert Terry RILEY improvisa avec en tête ses longs travaux en studio pour le disque Shri Camel publié par CBS. Ce concert fut aussi l'un des derniers, si ce n'est le dernier, donné par Terry RILEY dans la configuration du long solo à l'orgue, qu'il pratiquait depuis bientôt dix ans. Dans une interview accordée à The Wire en avril 2007, Terry RILEY déclarait qu'il n'avait pas de souvenir exact de ce concert, mais la redécouverte des bandes lui faisait dire qu'il s'agissait là de l'un de ses meilleurs enregistrements en live.

La publication du disque en mai 2008 confirme deux choses. Premièrement que Terry RILEY n'est pas du genre à se laisser aller à des arguties publicitaires, et deuxièmement qu'il s'agit effectivement d'un enregistrement d'un beauté étincelante, et le mot ne semble pas assez fort. Il s'agit purement d'un éblouissement. The Last Camel In Paris procure la même sensation d'enivrement que Persian Surgery Dervishes, enregistré en concert en 1972, mais il nous emmène plus loin, l'improvisation se faisant beaucoup plus complexe. Il y a certes des motifs répétitifs, mais comme ceux, modaux, d'un John COLTRANE exploitant une thématique fertile. Un haut degré de mysticisme est atteint, les sonorités évoquant celles d'un orgue d'église catholique qui aurait été envoûté par un souffle hindou, celui de la gharana de Kirana que PANDIT PRAN NATH a enseigné à Terry RILEY.

Site : www.terryriley.com

Eric Deshayes

Après Field Day, double album voué à la guitare classique (Blueprint, 2005), Anthony PHILLIPS revient aux synthés avec Wildlife. Il réunit onze nouvelles compositions ou suites (1994-2003), utilisées pour des documentaires télévisuels, et notamment ceux du photographe et caméraman, l'aventurier Nick GORDON. Ce-dernier, décédé depuis, était un grand passionné de la vie sauvage à travers le globe terrestre. PHILLIPS s'était auparavant illustré dans ce type de travail en 1989, avec la suite Land Of Dragons (Missing Links volume 1), pour un programme spécial consacré à la vie sauvage à Hong Kong.

Avec ses 45 titres (la plupart ne dépasse pas les deux minutes), Wildlife nous plonge dans une ivresse complète, faîte de symphonisme, en rapport avec la beauté de cette faune si passionnante. La présence remarquée du fidèle Joji HIROTA, alternant percussions, flûte et ocarina, ajoute à ce synthétisme raffiné, une pincée exotique dépaysante (par exemple, sur la suite Creatures of the Magic Water). D'autres invités sont à citer, comme Martin ROBERTSON (soprano saxophone), et Laura MELLUISH (violon). Au final, vous avez un disque de new age/world music, aux envolées élégantes d'un classicisme rare (qui évite le coté grandiloquent pompeux), et aux atmosphères d'enchantement (Secrets of the Amazon, Midway-Island of Life).

Une carrière déjà bien remplie n'a pas rendu Anthony PHILLIPS inhabile dans la concoction de mélodies parfaites et séduisantes. Sa musique touche votre coeur, en étant émouvante et secrète, lumineuse (River Dolphins) et obscure (Killing Grounds ou From the Jaws of Death). Ce mariage subtil entre vagues de synthés et rythmes ethniques imprégnés d'universalité lui procure une certaine affiliation avec KITARO.

Wildlife marque un nouveau pas parmi ses travaux de « library music », et se classe aisément à coté de ses autres oeuvres pour synthés, telles que Finger Painting, Sail the World ou Slow Dance.

Site : www.anthonyphillips.co.uk

Cédrick Pesqué

Cette nouvelle production Linoleum bénéficie d’un superbe travail graphique signé Steffie BAYER sur une pochette cartonnée suffisamment rigide (ce qui n’était malheureusement pas le cas des précédentes références de ce label associatif). Ça Urge !, deuxième album du LILLIPUT ORKESTRA, est ainsi d’emblée attachant, par le seul aspect de cette pochette. Cinq ans se sont écoulés depuis le premier album du LILLIPUT ORKESTRA La Méduse, qui présentait une formule jazz tonitruante empruntant à toutes les tendances.

L’orchestre lilliputien est en fait un quartet composé de Laurent ROCHELLE (clarinette, sax soprano, flûtes, électronique, claviers), Piero PEPIN (trompette, bugle, claviers, machines), Olivier ROUSSE (basse, contrebasse) et Pascal PORTEJOIE (batterie, percussions). Deux joueurs de clavier Fender Rhodes, Lionel MALRIK et Mingo JOSSERAND viennent prêter main forte sur un titre chacun. Même s’il n’évite pas quelques clichés et chorus un peu trop convenus, le LILLIPUT ORKESTRA a le mérite de garder vivace cette tradition d’un jazz mélodique et rythmique qui, avant la déferlante free jazz qu’il engendra, secouait déjà les carcans stylistiques sans tomber dans la cacophonie outrancière. On pense aux précurseurs du free, Charles MINGUS, Eric DOLPHY, George RUSSELL et même Miles DAVIS lorsque celui-ci commençait à titiller les mégawatts.

Le LILLIPUT ORKESTRA affirme justement toute son originalité lorsqu’il se laisse un peu plus habiter par les bruissements de claviers et les sonorités électroniques, comme cela se dessine sur le titre d’ouverture Tableau 1 ou sur Pour Lester, qui vous emporte par sa beauté et par la délicatesse de l’électronique en arrière-plan d’une trompette jouée en sourdine.

Site : http://linoleumproductions.free.fr

Eric Deshayes

Issue de la thérapeutique chinoise, l'huile de serpent est utilisée pour soigner les rhumatismes et douleurs musculaires. Bon, c'est vrai, le terme désigne aussi ces potions soit-disant magiques que vantaient et vendaient les charlatans. L'expression porte une ambiguïté qui pourrait très bien convenir à la musique du groupe justement nommé SNAKE OIL (huile de serpent, en anglais). Non que nous ayons affaire à des charlatans, mais on pourrait très bien faire écouter cet album à un amateur de jazz-rock fusion en lui persuadant qu'il s'agit d'un inédit du TONY WILLIAMS LIFETIME. Faussaires, les SNAKE OIL ? Ils sont en réalité plus que cela : ces gars baignent véritablement dans cet univers sonore, ils ont même dû tomber dedans quand ils étaient tout petits. Visez un peu la formation : Piano Fender Rhodes, saxophones ténor et soprano, guitare, basse, batterie, toute la panoplie du parfait groupe de fusion. Et par ailleurs, « snake oil », c'est le titre du premier morceau de l'album Believe it du TONY WILLIAMS LIFETIME (le « NEW » one, celui avec Allan HOLDSWORTH). On ne va pas me dire que c'est une coïncidence tout de même ?

La messe est dite, SNAKE OIL est donc le digne descendant de ce jazz fusion des années 1970. Sa source est là, et il évolue à partir d'elle, depuis sa création en 2004. Après un premier CD, Doustrian Dance, le groupe revient avec rien moins qu'un double album, suicide commercial à la boutonnière !

Entre le groove sauvage et goûteux du bassiste Greg THEVENIAU, la mélodicité et le lyrisme stratosphérique des saxophones ténor et soprano de Boris BLANCHET, les coussins harmoniques sidéraux du Rhodes de Romain MASSINI et le foisonnement pétaradant de la batterie de Daniel JEAND'HEUR (instigateur du combo, et principal compositeur), la musique de SNAKE OIL est délivrée avec une aisance d'inspiration et un dynamisme qui tranchent avec les entreprises boiteuses et velléitaires qu'on peut entendre par ailleurs.

Avec Uppercut Attitude, SNAKE OIL met donc les bouchées doubles. Chaque volume documente une période différente de la vie du groupe : le premier, enregistré en studio, présente les nouvelles compositions du groupe dans sa formation en quartet, assaisonnées avec les condiments de rigueur.

Le second volume a été enregistré live sept mois plus tard et comprend lui aussi d'autres compositions inédites, dans lesquelles le vent de liberté qui caractérisait déjà les harmonies et les structures souffle encore davantage dans le sens de l'improvisation électrique. Entre-temps, le groupe a intégré un nouveau membre qui n'est autre que le guitariste James Mac GAW (MAGMA), grand complice de Daniel JEAND'HEUR au sein de ONE SHOT et de PIENZA ETHNORKESTRA. Dans ce contexte, MacGAW n'a aucun mal à se sentir aussi à l'aise qu'un poisson dans l'eau, et sa guitare relève dangereusement le niveau de haute tension des compositions, partageant désormais l'assise mélodique et harmonique avec les saxophones de Boris BLANCHET, en tirant la carpette un peu plus encore vers le rock, tout en préservant le genre originel du groupe.

Deux volumes, deux temps, mais toujours la même lubie chaleureuse : la mixture de SNAKE OIL est imparable, bouillonnante ou veloutée, selon le degré d'incubation. Si vous voulez soigner en un rien de temps vos déprimes musicales, voilà un double CD qui arrive à poing nommé, pour sûr !

Site : www.myspace.com/snakeoil12

Label : www.12prod.net

Stéphane Fougère

Du genre précoce et sacrément doué, Steve MACLEAN a commencé la guitare et la batterie à 7 ans, a composé son premier morceau à 12 ans et a intégré le groupe du tromboniste new-yorkais Roswell RUDD alors qu’il était encore au collège. Il choisit d’ailleurs rapidement de s’installer dans cette ville afin d’y travailler dans un studio d’enregistrement honoré par le gratin des musiciens du coin, occupant ses soirées à improviser en compagnie de divers musiciens sur les scènes de tous les clubs imaginables de la région. Après avoir fait partie du NICK DIDKOVSKY’S DR NERVE, Steve MACLEAN monte son propre studio au début des années 80 et compose pour la radio, la télévision et de nombreux spectacles tout en accumulant les récompenses. Insatiable, il trouve aussi le temps de fonder le Portland Experimental Music Collective. En 2000, il déménage à Boston et y devient professeur au Berklee College of Music. Depuis, il continue de jouer régulièrement avec la crème des musiciens de free jazz.

Bridges tente l’impossible exploit, quand bien même serait-ce en 19 titres répartis sur 2 CD, de résumer les 20 dernières années de ce musicien d’exception. Il y a de tout dans Bridges : de l’improvisation totale au morceau longuement réfléchi ou du titre puissamment rythmé à la pièce quasi-silencieuse ou encore du morceau purement électronique au titre totalement acoustique. Steve MACLEAN ne souffre aucune limitation de style et offre dès lors à l’auditeur l’ensemble de toutes les musiques possibles, y compris un morceau de rock progressif et un autre dans un genre très symphonique. Cela semble d’ailleurs la philosophie même de ce double album que de prouver que des myriades de ponts existent entre des styles de musiques réputés parfaitement délimités. Cette description peut sûrement laisser penser que Bridges est un magma sonore proche du chaos. C’est en fait exactement le contraire.

Steve MACLEAN, pourtant amoureux de l’improvisation à tout-va, a soigneusement organisé les 2 CD de ce double-album. De ce fait, le premier condense les musiques plutôt énergiques ou complexes alors que le second délivre des climats qui vont étape par étape jusqu’au presque néant sonique. Mais l’essentiel de Bridges est dans l’implication complète de Steve MACLEAN dans chaque morceau. Que le titre ait été joué à la volée ou patiemment élaboré, le musicien y a mis toute son âme. Et c’est ce qui donne finalement sa cohérence d’ensemble à Bridges, malgré son apparent éparpillement, cette unité d’esprit au sein de cette multiplicité musicale. C’est aussi la preuve de l’excellence de Steve MACLEAN que d’avoir pu réaliser ce pari fou de faire cohabiter harmonieusement autant de compositions aux styles si différents. Mais peut-être est-ce la preuve également que la notion de style n’est qu’ arbitraire voire dénuée de sens, seul comptant en réalité le talent du musicien. Et celui de Steve MACLEAN est tout simplement éclatant.

Site label : www.rermegacorp.com

Frédéric Gerchambeau

Cet album du collectif PALO ALTO regroupe un CD d’environ 55 minutes avec des morceaux enregistrés en France lors de concerts à Nantes, Rennes, Sens et Toulouse au cours des trois précédentes années + un DVD d’une heure et quart. Le trio Denis FRAJERMAN, Jacques BARBERI, Philippe PERREAUDIN (plus Eric ROGER aux instruments à vent sur un titre) est très à l’aise sur scène. La production et le mixage sont impeccables. A chaque réécoute, on découvre de nouveaux sons, on explore de nouvelles voies inexplorées et menant vers un univers spatio-temporel inconnu. Plein de surprises cachées ou non perçues au premier abord font voile vers notre cerveau. Fusion entre autres de l’électronique, d’un alto sax fiévreux et hyperactif, d’une basse tonique, de vocalises incantatoires, de bandes-sons à l’instar du premier morceau à tendance pornographique ou encore lors du dernier morceau on assiste à une véritable leçon qui a dû être donnée par un professeur dans les années 1950.

Le DVD, quand à lui, regroupe deux clips, la bande annonce amusante de ce projet global, une vidéo d’une demi-heure dédiée à la nouvelle Fais voile vers le Soleil de l’écrivain de science-fiction et membre de PALO ALTO Jacques BARBERI et surtout, à mon avis, les répétitions des membres avant leur concert de Nantes lors d’un festival où musique et science-fiction étaient mêlées.

Travail très intéressant, réussi, conseillé pour un projet où l’improvisation est parfaitement maîtrisée.

Sites : www.rumbatraciens.com/paloalto/site.php

www.optical-sound.com

Olivier Degardin

TOUPIDEK LIMONADE – "Il y a des nuits… et des nuits"
(In Poly Sons / Gazul / Orkhêstra Int.)

Chic alors ! Gazul, sous-division du label Muséa, fait œuvre de réhabilitation culturelle en rééditant quelques fleurons de la mouvance française du post-Rock in Opposition des années 80.

Paru il y a une quinzaine d’années sur Ayaa, label îlotier du non-conformisme musical, Il y a des jours constitue l’unique album de cette obscure formation que fut HELLEBORE, l’une des premières dans l’Hexagone à prolonger l’esprit RIO à l’heure où ETRON FOU LELOUBLAN (digne représentant français du genre) commençait à entonner son chant du cygne. En fait, cette réédition tient aussi lieu d’"œuvres complètes" puisqu’on y a fait figurer en bonus des piécettes parues sur d’improbables compilations entre 1982 et 1984. Sur une toile instrumentale comprenant orgue, basse, saxo, guitare, clarinette, piano, percussions et Crumar (?), HELLEBORE a composé un univers badin et saugrenu, avec des compositions sujettes aux humeurs automnales comme aux dérapages impromptus, combinant le sens de la complexité insolente d’un HENRY COW avec le goût de la ritournelle folklo-naïve dévergondée à la SAMLA MAMMAS MANNA, en moins tapageur toutefois. Chez HELLEBORE, la dérision se fait cauteleuse et le "nonsense" impressionniste, ce qui ne l’empêche pas d’échafauder de périlleuses structures à tiroirs, comme cette suite de 14 minutes (Umanak-Marquis de Saint Cricq), lieu de planque idéal pour des boîtes à rire. Face au Grand-Oncle HENRY COW, HELLEBORE est ce gamin trop sage pour ne pas être aussi moqueur. Il faut voir avec quelle sournoiserie il vide de sa substance et neutralise le discours politicard dès son Introduction végétarienne, histoire de se mettre au vert, comme toute plante qui se respecte… Parmi les musiciens, on remarquera Daniel KOSKOWITZ, devenu depuis bien plus turbulent avec ETAGE 34 et JAGGER NAUT, ainsi que Jean CAEL et Denis TAGU qui devaient, peu après HELLEBORE, donner naissance à TOUPIDEK LIMONADE.

Il n’est donc pas surprenant que Denis TAGU, responsable du label In Poly Sons, se fasse plaisir (et à nous par la même occasion) en rééditant également dans la foulée les œuvres non moins recommandables de TOUPIDEK LIMONADE, œuvres qui font d’ailleurs ouvertement office de suite aux aventures de HELLEBORE puisque justement dénommées "Il y a des nuits… et des nuits" . Les morceaux qui figurent dans ce CD proviennent d’une K7 sortie en 1985 et distribuée confidentiellement à l’époque. Jean CAEL et Denis TAGU, pourtant dotés d’un organe vocal allant de l’ironie au dramatique, se sont adjoint les services de la chanteuse norvégienne Kwettap IEUW. Entre pas moins de quatre Valses d’Ubu cocu, un Let’s triste again et des voix lugubres des Soirées de St Petersbourg monopolisés par les deux compères, et un Chant traditionnel groënlandais interprété par Daniel KOSKOWITZ, Kwettap IEUW arrive à imposer sa voix moqueuse et gamine sur des chansons naïves à souhaits, dont le célèbre Laisse tomber les filles de Serge GAINSBOURG, et Nounours "sac de couchage" qui n’est autre que la musique de PERGOLESE qui faisait fureur à l’époque dans l’émission enfantine Bonne nuit les petits, accompagnée par ses collègues dans un chœur grave et dramatique qu’on prendrait presque au sérieux sans ces bruits étranges…

Et comme cette réédition inaugure la collection "Early Times" du label de Denis TAGU, on ne sera pas surpris de trouver deux extraits délirants de deux autres K7 parues en 1985 et 1986 (All with the voice et Out of standard, France 2), un extrait du CD Hardis bruts édité par In Poly Sons en 1992 et un remix mignon comme tout de Laissons les nez faire titi qui figurait dans le dernier album Il y a des bulles sur la banquise. Mais qu’est-ce qu’ils attendent pour rééditer "l’autre groupe" de ces joyeux lurons, j’ai nommé SZENTENDRE ; il est pas donné, le mini-33 Tours, en convention (le prix d’un CD import japonais, au moins) !

Sylvie Hamon et Stéphane Fougère (Traverses n°07)

TOUPIDEK LIMONADE, quel drôle de nom pour un groupe ! Mais où sont-ils allés chercher ça ? Peut-être bien sur la banquise, car il existe chez les Esquimaux une représentation (monstre mi-homme, mi-animal) de leur hantise de retourner au stade animal, qui se nomme le Toupilak. D'ailleurs, tout porterait à croire que ce groupe est venu du froid : le titre de l'album ; le nom de la chanteuse, Kwettap Ieuw ; et enfin plusieurs morceaux, Les Phoques sont tous des Grecs, Calice groënlandais (dédié à un certain Kaali, qui est un prénom groënlandais, justement), En transe Sylvie et Annie (un hommage à la Transylvanie comme vous l'aurez deviné), Eleonore (a sad cold love story), morceau co-signé par leur ingénieur du son qui se fait appeler Etienne HIMALAYA.

Le groupe comprend également Jean CAEL (basse, guitare, claviers et chant) et un certain Denis TAGU, alias TAGUBU (claviers, percus et chant), responsable à l'époque du label In-Poly-Sons qui a réalisé notamment UBU et la Merdre (avec Jean-François PAUVROS, Guigou CHENEVIER de ETRON FOU LELOUBLAN et VOLAPUK, Etage 34…, rien que du beau monde quoi !).

On notera aussi au passage que les musiciens de TOUPIDEK LIMONADE ont fait partie de HELLEBORE, qui fut l'un des premiers groupes français influencés par HENRY COW et ont ensuite fondé le groupe SZENTENDRE.

On retrouve donc dans TOUPIDEK LIMONADE les influences musicales, poétiques, humoristiques et dérisoires d'HENRY COW et du mouvement Rock in Opposition en général, d'ETRON FOU en particulier, d'Albert MARCOEUR…, avec par exemple Hémoglobine, chanson folklorique hongroise remaniée à la manière de ZAMLA dans l'album Schlagerns Mystik et En trance Sylvie et Annie dont l'ambiance oscille entre l'inquiétant Dracula et le Rocky Horror Picture Show. Calice groënlandais est un chant antimilitariste bourré de bruitages expressifs et de références au Manège enchanté. Ah, j'oubliais : pour réchauffer cet album, TOUPIDEK a fait non seulement des bulles dans la banquise, mais aussi un morceau aux influences égyptiennes, Laissons les nez faire titi, chanson "rigolosophique" sur le nez "qui épouse nos regards par en-dessous", pleine de jeux de mots.

Et surtout, ne retournez pas le disque comme on vous le demande au milieu, car ceci est une réédition CD et votre lecteur risquerait de ne pas s'en remettre !

Sylvie Hamon (Traverses n°02)

Branle-bas de combat ! La " Suède In Opposition " se rappelle à notre excellent souvenir. Non seulement Grand Papa SAMLA MAMMAS MANNA se refait une nouvelle jeunesse avec un nouvel album, mais son descendant VON ZAMLA franchit enfin les frontières scandinaves pour répandre sa bonne humeur iconoclaste partout dans le monde entier – du moins, partout où l’on distribue les disques Cuneiform – avec un disque d’archives live. Résumé des épisodes précédents : en 1977, SAMLA MAMMAS MANNA se transforme en ZAMLA MAMMAZ MANNA, à n’en pas douter pour faire plus punk, et contribuera à créer l’association Rock In Opposition avec HENRY COW, UNIVERS ZERO, ETRON FOU LELOUBLAN et STORMY SIX l’année suivante. Tous ces groupes organisent alors des festivals et tournent à travers l’Europe. En 1980, ZAMLA splitte. L’année d’après, notre Albert MARCOEUR national convie deux des membres de ZAMLA, Lars HOLLMER et Eino HAAPALA, à l’accompagner en tournée en France et en Suisse. En retour, les deux Suédois proposent à deux musiciens de MARCOEUR, le bassiste Jac GARRET et le joueur de basson Denis BRELY, de venir enregistrer avec eux ce qui deviendra le premier album de VON ZAMLA, Zamlaranamma (1982), disque phare de l’" after Rock In Opposition ", bientôt suivi par No Make Up (1984). L’ennui, c’est que ces deux disques n’ont jamais été réalisés en dehors de Suède. C’est là qu’intervient 1983. Pourquoi 1983 ? Parce que " 1984 " a déjà été retenu par George ORWELL et Anthony PHILLIPS ! Non, en fait, ça n’a strictement aucune espèce de rapport, et il va sérieusement falloir que j’envisage de me coucher plus tôt… 

En fait, VON ZAMLA a beaucoup tourné en Europe en cet an de grâce et, fort heureusement, certains de leurs shows ont été enregistrés. Celui du 8 mars à Bremen et celui du 10 mars à Hildesheim fournissent la matière de cet inattendu disque live, que l’ont devrait instamment prescrire en tant que médication prioritaire à toutes les âmes musiciennes déprimées par les productions insipides. Ici, l’inénarrable compositeur, accordéoniste et claviériste Lars HOLLMER et son fidèle complice, le guitariste Eino HAAPALA, sont accompagnés par l’indispensable Michel BERCKMANS, dont le basson et le hautbois ont déjà illuminé les œuvres d’UNIVERS ZERO et d’AKSAK MABOUL, du bassiste Wolfgang SALOMON (du groupe MUNJU, à qui HOLLMER a dédié un morceau), du claviériste Hans LOELV et du batteur Mårten TISELIUS ; et il est clair, à l’écoute de ces extraits de concerts, que tous ces petits garnements s’y entendent à tirer sur la bonne vieille corde du principe du plaisir (musical), tant leurs mélodies, espiègles ou mystérieuses, rebondissent sur les combinaisons harmoniques les plus inventives. Principalement constitué de la quasi-intégralité de l’album Zamlaranamma ainsi que de quelques emprunts au deuxième disque solo de Lars HOLLMER, Vill du höra mer, le répertoire de cet album live ne souffre quasiment pas de sénescence, au contraire des premiers opus de SAMLA MAMMAS MANNA, au son plus daté.

Doué d’une inspiration foisonnante, VON ZAMLA puise pêle-mêle dans le prog’, le jazz, le folklore suédois et la musique contemporaine, avec une écriture jubilatoire et néanmoins sophistiquée, mais douée d’un salutaire penchant pour la dérision tout en étant nimbée de cette innocence juvénile qui caractérise les éternels gamins prodiges comme Lars HOLLMER, dont on ne soupçonne pas la verve créatrice à cause du déficit de diffusion qui s’acharne sur ses disques, en solo ou avec SAMLA. D’où l’importance de 1983, dont la sortie sur le label américain Cuneiform permettra à VON ZAMLA de se faire connaître au-delà des bordures suédoises. Un détail : dans la mesure où ce disque est entièrement inédit, il faudrait qu’on m’explique pourquoi Ödet est présenté comme un " bonus track " ! C’est d’autant plus frustrant qu’on a que les cinq premières minutes de cette pièce qui, à l’origine, couvrait la face B de l’album Shlagern Mystik. Cela mis à part, 1983 est assurément LE disque de l’année 1999, et… Non, y a comme un non-sens, et j’ai déjà écrit ça quelque part. Qu’importe, précipitez-vous dessus !

Stéphane Fougère (Traverses n°05)

Le label américain crée la surprise avec ces deux documents jusque-là inédits, datés de 1971. Ces CD « deluxe package », avec pochettes toutes en relief, ne sont édités qu'à seulement 1 000 exemplaires. Attention collectors !!! Il est regrettable qu'ils ne disposent pas de livrets détaillés de ces enregistrements (pas de dates, ni même de photos !). Vu l'événement, c'était tout de même l'occasion.

Admira et Vulcano dévoilent un KLUSTER comprenant Conrad SCHNITZLER, Klaus FREUDIGMANN, Wolfgang SEIDEL, ainsi que des invités non identifiés. Ces enregistrements ont eu lieu après le départ de MOEBIUS et ROEDELIUS. Rappelons que ces derniers vont se lancer dans l'aventure CLUSTER la même année, avec la parution de leur premier album Cluster 71. Si ce duo va perdurer jusqu'à aujourd'hui, le KLUSTER de SCHNITZLER, lui, ne sera qu'éphémère, Conrad préférant poursuivre une carrière solo des plus prolifiques.

Ces raretés de très bonne qualité (il s'agit des masters) ont été récemment retrouvées par FREUDIGMANN qui a par ailleurs travaillé avec TANGERINE DREAM comme ingénieur du son. Les morceaux sont dispensés de véritables titres; pour les distinguer, ils sont tout simplement numérotés : de 1 à 12 pour les sessions en studio de Admira, et de 1 à 23 pour le live Vulcano.

KLUSTER est ici le représentant d'une musique électronique obscure, d'un krautrock terriblement sombre et inquiétant, à l'atmosphère lourde de menaces. Entre bidouillages divers et rythmes incantatoires, ce voyage de 120 minutes s'avère éprouvant, oscillant entre le psyché, le space rock, la musique industrielle et concrète.

Les amateurs des premiers albums du trio KLUSTER (SCHNITZLER, MOEBIUS, ROEDELIUS) ne seront pas inquiétés à l'appel de ces sonorités dark, oppressantes, toujours hypnotiques, parfois agressives et dissonnantes.

Site: www.importantrecords.com

Cédrick Pesqué (Traverses n°24)

Depuis une bonne vingtaine d'années qu'il vit en France, John GREAVES n'a fait usage de la langue française dans ses opus musicaux qu'avec une prudente parcimonie. Hormis un hommage à Marcel DUCHAMP et une reprise de Georges BRASSENS, le musicien et chanteur gallois a généralement préféré laisser d'autres donner de la voix (de préférence féminine) sur les textes français qu'il a mis en musique (Caroline LOEB sur Songs, Elise CARON sur Chansons). Ici, John GREAVES s'est donc fixé un défi, celui de s'approprier le chant « lead » en français sur tout un disque, sans pour autant abandonner ce fort accent british qu'on lui connaît, au risque cette fois de lancer un défi aux auditeurs.

Pour effectuer son « grand pas », John GREAVES a relu plusieurs poètes français, et a jeté son dévolu littéraire sur Paul VERLAINE. Singulier de prime abord, ce choix peut s'expliquer par la prédilection de celui qui a fait passer la « musique avant toute chose » pour les assonances et pour les rythmes impairs, lesquels – transposés dans l'écriture musicale – sont assez familiers pour celui qui fut (rappelons-le au cas où vous auriez eu l'illusion qu'on parlait d'un autre) le bassiste de HENRY COW et de NATIONAL HEALTH...

La sélection opérée par GREAVES des poèmes verlainiens couvre plusieurs recueils, faisant ainsi de cet album un parcours de l'œuvre du « prince des poètes », des Poèmes saturniens à Chansons pour elle, en passant par Sagesse, Fêtes galantes, La Bonne Chanson, Parallèlement et, surtout, Romances sans paroles. On notera que John ne s'est pas contenté de chanter et de mettre en musique les poèmes les plus « poétiquement corrects » (cela peut-il exister ?) de VERLAINE, mais également ses poèmes ouvertement licencieux. A ce corpus littéraire éclectique fait écho une instrumentat